为什么西方的油画相比中国的国画看起来很逼真?
为什么西方的油画相比中国的国画看起来很逼真?
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有句老话常说“艺术无国界”,可中国的国画与西方油画之间的区别却一目了然,先不论笔法、主题方面的不同,单是整体画作呈现出的感觉,中西方就截然不同。西方的油画大多栩栩如生,画面上的景色、人物仿佛经过画家的手复制到了大家眼前,赏画时会被那逼真的画面震得心头一跳。
而中国的国画就写意许多,朦朦胧胧的美感,就跟将画家心底或梦境中的景物打着滤镜和柔光,带到了人们面前,看画时假如不留神介绍,肯定是反应不过来画家到底画的是哪座山、哪个柔婉的女人,只会被画中传达的那影影绰绰的情绪带动心底的感觉,勾起一片遐思。
那么中国国画没有西方油画看起来逼真,就说明画师技不如人吗?答案必然是否定的,这两者之间从来都不分优劣,只是中西方的审美不同导致。就好比两方看似都在长跑,可起头就没在一个赛道,所以评判标准就也不相同。
中国国画追求的一直就是意境、感觉和含蓄美,就跟诗词一般,要在嘴里细细咂摸好几遍,才能品出各种滋味,国画就是要在眼里周旋好几个圈,才可以领略到其中的魅力。
好比曹植的《洛神赋》,洋洋洒洒各种抽象形容词叠加,每个读者看完心中的洛神长得都不太一样,国画也是如此,同样一幅画,有的人看到了乡愁,有的人看到了桃花源,还有人看到曾经去过的景点。
西方油画追求的就是很简单的一个字像,要特别像,能取代1200万像素手机拍出的照片那么像,要让每一个看画的人都得反应一会,这是拍出来的还是画出来的那么像,所以逼真这个词用在西方油画身上特别传神,正是那跟真的一样的画作,就是西方油画的目标。
那么西方油画为什么这么逼真呢?其实它也不是自古就如此,时间点大约在欧洲文艺复兴左右,西方油画经历了好几次的更新,先是传奇少年马萨乔发明了透视画法,这位仅活了27岁的艺术家真是有一身惊人的才华,居住在佛罗伦萨这个充满着文艺气息的城市里,以过人的胆识将数学、空间建筑学等融会贯通,让自己的画作成为了西方写实油画的开山元老。
接着大名鼎鼎的达芬奇又来震荡西方油画界了,这位大师是一个稀世罕见的全才,机械学、医学等众多领域他都站到了学术的顶峰,而当他用工程思维来绘画时,线条跟立体呈现出的艺术碰撞就产生了素描,这就带动了西方油画界的审美,也朝着逼真和骨肉分明这一目标奔驰而去。
然后荷兰画家伦勃朗将所有关注点放在了光上,利用不同光线下人物脸上呈现出的阴影明亮度不同,使得画作中的人像能传达出气质跟情绪。比如要画一位骑士,那伦勃朗式用光法一加成,每一个看画的人都能感觉到画中骑士的英姿勃勃,仿佛跟画中人被定格带到大家面前一样逼真,就连绘画内天的天气都能真实的感受到。
这三位大师各自专攻一隅,让后代的画师深感膜拜,逐渐就将其中特质相结合,产生出西洋画就是要逼真的固定画风。而它之所以会产生并且风靡开来,也跟欧洲的历史背景分不开干系,自文艺复兴前后,整个欧洲都陷入了被动反思的过程。
美而无用的作品很难卖钱,贵族们没点文化修养欣赏不来,可是一幅逼真的西洋画却很吸引人,至少可以通过画家的手,把自己的形象永久的印刻下来,所以市场需求也推动着逼真派西洋画前进。再则,当时的西洋画师大多精通各个领域,思维模式从来都不是单纯的艺术家那追求罗曼蒂克的纯粹浪漫。
相当于理科生去写诗作词,诗词中必然会带很多严谨考究的特色,揣测一下那些大师的想法,应该是想革新画作就是纯欣赏的艺术品,他们更想结合建筑学、人体学、乃至数学,让画变得很有用处。
由此各方面相结合,西方油画就以逼真为优秀的评判标准。这也能看出中西方的价值观不同,西方在追求落地、逼真的同时,中国的国画向来不以降低格调求实用为目标,画师们认为术业有专攻,逼真可以交给摄影师来攻克,再逼真一些还有影像作品,国画寄托心情和志向,就是要美的含蓄,美的有意境。
毕竟自古以来,文人墨客们就将琴棋书画、插画品茶都赋予了不一般的意义,里面既包含着品味、也包含着怡情养性的艺术修养。大家都一致认为,挡在庸俗生活和雅致精神遨游之间的,正是关上小门成一体时的绘画、书法等爱好。
因为画师们将丰富的精神世界投入到了国画中,所以观赏西洋画和国画时也会呈现出不同的感受。前者就是热情、现实,视觉冲击力很强烈,无论色调如何,都会给人眼前一亮的既视感。而国画就是慢热,打眼一看只觉得素淡,需要细细品来才能感受到其中的百种情愫,这也就是很多文艺爱好者书房中喜欢挂国画的原因,捧上一杯茶,插上一株正当时令的花草,看着内幅国画很容易就进入深度冥想的状态。
因此,欣赏国画是一件氛围、环境乃至心境都一个不能少的雅事。所以西方的油画看起来比中国的国画逼真很正常,毕竟西洋画的精髓就在于此,两者从来都不在一个赛道上,既没有孰高孰低,也不存在品味的较量,单纯就是各方因素导致的审美不同。
另外,国画需要带入情景来欣赏,假如知道所画的是怎样情境下的梅兰竹菊或者景色图,那看一会也有不同感受的逼真,甚至也能看出天气是雨是雾,时间是早还是晚等等,毕竟国画就讲究一个尤抱琵芭半遮面般的含蓄,欣赏起来要需要格外的耐性。
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这是由于中西方文化上的差异,造成中西方绘画上的诸多差异。
这种差异包括:绘画理念、绘画工具材料、绘画技法和表现手法、绘画的形式表现、绘画的题材选择等等。
中国文化中有一个突出的特点是:含蓄、内敛、中和、自然。
在中庸文化支配下,国画从传统上就确立了以“写意”为主以表现自然为主的绘画理念,注重画面深沉旷达幽远博厚的意境,给人一种心旷神怡宁静致远抒发情怀陶冶情操的感觉,而不刻意追求形象逼真效果。
中国书画最终形成了“书画同源”的笔墨艺术。
西方文化中也有一个突出特征是:开放、张扬、直接、直观。
西方绘画始终就确立了以科学严谨的造型具象;比较真实的还原客观物象本真面,以表现人为主的“写实”绘画理念;从创作技法到表现手法上穷尽智慧运用科学刻意追求画面的逼真效果。
形成了以古典主义写实油画为主导的西方绘画体系。
简单地说,国画美在意境,妙在似与不似。西画美在形象,妙在直观立体。
如果说什么是中西方绘画本质的区别,那就是哲学源头上的不同。
但是,国画和西方画都是人类文明智慧的结晶,各有噢妙。
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从绘画艺术的发展历史来看,中国的国画明显要比西方的油画诞生的要早的多,但不管怎么样,西方油画和中国的国画都是在各自的文化之下得以生存的,而且每个时期的绘画艺术风格都有所不一样,那么为什么西方的油画相比中国的国画看起来要显的很逼真呢?
稍微简单了解西方油画在欧洲文艺复兴时期之前,都还是属于“
平面型
”绘画,自然也不是很逼真,直到马萨乔发明了
透视法
以及达芬奇发明
素描
之后,西方油画才呈现出它的
“空间感”,画面开始逼真起来,
当荷兰伟大画家伦勃朗创造了“伦勃朗式用光”之后,
那强烈鲜明的“光影明暗对比、空间透视效果”让西方油画真正意义上进入了“写实”时代,从而油画的画面真正的形象逼真起来了,这包括了任何流派的油画,有强烈的“视觉效果”,
或许有人会认为“印象派”画作依旧不够逼真啊,其实这样的认为是错误的,因为画作的逼真不是简单的只是人物形象的清晰,就好比每个人的外貌都各不相同,有骨骼有血肉有丰富的情绪就是完整的人,
西方油画的“色彩线条”被艺术家们得到了很极致的处理,形成了独特的艺术语言,
中国画的画面之所以无法形象逼真,那是因为国画是用书法的形式来创作,体现的都是“线条的效果”,这就是
“以书法入画”,“字”肯定不如“画”让人更直观,“写意”的意义便是“雾里看花”,又由于国画的创作工具“笔墨纸砚”的缘故,所产生的“视觉效果”没办法强烈,正所谓“色彩丰富了,形就成了”,在绘画艺术中,也只有西方油画的色彩比较丰富。
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“大象无形”是我们中华民族的基本美学观念,意思是说,越是宏大和美好的形象,就越发缥缈和没有固定形象,我们推崇的是自然之美,而不是人为塑造的美。宇宙和天地很大,也很美,但它们没有固定形象,作为画家,也无法把它们刻画出来,所以,只能用含蓄的、以点带面的方式来表现,剩下的部分,就由观者去想象了。人的想象有多大,心中宇宙就由多大。
写意中国画
从这个审美观念来入手,若说起中国画,人们第一反应就会想起水墨写意画,它是通过简洁凝练的笔法和墨法塑造出物象的大体轮廓,体现一种“似与不似”的形式美和含蓄美,因为这种审美特征符合中国人的审美标准,符合大象无形的美学理念。如果水墨画画得过于饱满和逼真,就是丧失这些趣味。
工笔写实中国画
但不是所有中国画都很缥缈和简洁,中国画在宋代中期之前也是很写实的,画中除过没有光影关系和立体感之外,在逼真程度和结构准确性上,并不亚于西方写实油画。只不过,从宋代中期之后,“文人画”大力发展起来,文人画忽略形似,追求神韵、意境和笔情墨趣的表现,同时注重画外功夫的修养。在这样的大背景下,中国画从写实走向了写意。
写实油画
而油画在西方发展了600多年,至少有500年时间都在走着“写实”的路子,因为油画刚刚诞生时,在创作手法和理念上,都是照搬已经定型的雕塑的技法,用科学手段追求造型的逼真和准确,真实再现生活原型,为人们的现实生活服务是其主要目的。油画在绝大部分时间里,都是以写实为宗,所以,在人们的意识里,油画看起来一直很逼真。
写意油画
但西方油画发展到19世纪末期,写实之路走过了漫长的500多年,该探索的技法,都被一个个画家尝试过了,已经无法创造出更好的写实方法,所以,西方油画家主动拓宽了自己的艺术视野,把东方绘画的写意性吸收到油画创作中,最终实现了西方油画向现代性的转型。
不论是是中国画还是油画,都是根据不同时代的审美趣味和美学观念,在写实和写意之间不断转变。
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油画,什么样的油画好看,什么样的油画逼真,这个得大家说了算,行家里只是看艺术和名分,而普通的人欣赏油画凑人数看热闹而已。
那为何西方油画比中国油画看起来逼真?
这个我不完全赞成,就拿人物油画来说吧,西方人物油画它的立体感比较强烈,高高的鼻梁,深奥的眼睛,看起来很舒服,不过人物油画像嘛,它的色彩方面,西方油画用料很到位,
看起来自然,很有一股原始的色彩风味,不管背景或者穿着的衣服,甚至人物油画的肉色,也是那么自然红润,看起来如痴如醉,这是西方油画。
而中国油画,也有中国油画的好处,中国油画一般分为国画,不过国画就是国画,以国画为重点,那人物油画也占一定的地位,而中国人物油画,用料色彩和人体比例都有一定的差距,
中国人物油画色彩鲜艳,靓丽,色重,看起比真的还真实,这就是中国人物油画,俗话说别看这山高,有看那个山高,其实都差不多,都是一样,都很美都很好看,好了,就到这里,有什么想法,请在下方评论,谢谢。
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我认为,逼真的东西不是艺术,只是工艺。
中国画发展历史悠久,在唐以前也是写实,宋以后又提升一层次,写意写神为主。如果是画画越画越像,还不如去照相了,这有什么意思呢?普通欣赏者,艺术修养不高的人,喜欢看逼真的东西,但有思想艺术修养的人,觉得越逼真的东西,没多少文化内涵,只是一些工艺,不耐看。
中国画不须画逼真,画的是一种文化,画一种精神意象,画的是诗和心,境界和格调,这才是有品位的艺术品。这样的作品,给人联想无限,诗意盎然。
画画,书法,诗歌,不可直白,否则会很俗。
作者创作的(荷韵)
60X45,纸本
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西方油画写实,中国国画写意,所以西方油画所画人物和物品看起来很逼真。
中西画各有千秋。而油画确以逼真为美。西方的文艺美学,审美观念与中国人的审美观念不同。西方艺术重象,把写实作为最高准则。特别是画人物的油画艺术作品,把人物画到了维妙维肖的程度。立体感很强,有真人的感觉。
西方人认为,只有画得很像,才是美的。真正的美才能吸引人的眼球。所以毛发细部都是乱真的,乱真了才会受到审美大众和评论家的好评。
历史上被认可的世界名画,基本上是和真实无二。比如拉斐尔的油画人物皆因能和社会生活中的人物一一对应。
相对与写实油画的国画,以写意为最高准则。无论人物,山水,花鸟画,以有意境为最上,有意境则自成高格,有名作。国画当然不能太逼真了。太逼真了就和机械之照相差不多。所画之象为意象。意的成分大于象的成分。
所以国画之象有不逼真的。看起来太像,就没有画家创造的余地了。艺术的成分了淡了不少。
写意的国画,有诗情画意。写实的油画,有众美融合。各有千秋,各有风格。但绘画追根求源是创造美的。
只要创造出了有风格有特点有审美情趣有艺术价值的审美大众喜闻乐见的艺术作品就达到了艺术创作的真正目的。(认同请关注,诚谢)。
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为什么西方的油画看起来比中国的国画逼真?这个问题探讨了几十年了。很多的结论都是说中国画追求的是写意,是意境,是似与不似之间。中国画虽然画得不是很逼真,但山还是山,水还是水,人还是人,却从不肯承认是我们的绘画技不如人。
不错,从历史上看,中国的绘画的确早于西方很多年。2000年前的汉代我们的绘画已经有了相当的水平。汉元帝时因为宫廷画师毛延寿将王昭君画丑而导致昭君出塞毛延寿获罪的故事很多人都知道。其他不论,但至少可以说明,我们当时的绘画已经达到了相当的水平。至晋代,顾恺之的《洛神赋图》、《仕女图》等已经使人物绘画写实达到了一个相当高的水平。而随后,经历了隋唐宋元明清,中国画在写实上几乎没有任何发展,而西方,从十五世纪油画产生,写实便成为一个发展的主流。西方一直在探讨绘画艺术的主旨即为真实形象的反映客观真实的物体本象,中国国画却早已丢失了原来写实绘画的传统,更一味追求笔墨技法,追求线条,追求意境,其结果是中国画与“写实”越来越远了。
应该承认,我们的绘画无论从文化底蕴从表现手法从笔墨技巧最早都处于领先水平,但从宋代以后,在西方绘画理念发生重大变化写实表现形式成为主流以后,我们的绘画理念仍停留在过去一千多年的写意上。
理念的落后导致绘画材料、技巧和表现手法的落后,这就是为什么中国国画看上去不如西方油画逼真的根本原因。
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西方油画以写实为主,追求逼真;中国的国画以写意为主,讲究意境;所以说,绘画风格各异,不能同日而语。
1、西方油画讲究光线、写实,追求完美逼真的画风。
中国国画大师徐悲鸿先生在国外学习油画的过程中,还学习过解剖学,可见西方油画绘画的技法要求追求极致完美和逼真。近代冷军的绘画成为“超写实主义”画风,精雕细琢,惟妙惟肖,这其实是西方油画讲究的写实效果。
2、中国国画讲究写意、意境,致力创造神韵的境界。
作家老舍先生邀请齐白石老人作“四条屏”画,希望能配上四句诗,其中一句是“蛙声十里出山泉”;齐白石老人并没有画一只青蛙,而是在水流中画了几个小蝌蚪,其义自现,不愧为中国近代国画泰斗级人物。这就是中国画的精妙绝伦之处,意境唯美,浮想联翩,让你有无限遐想的空间,不禁拍手叫绝!
3、结语
中西方绘画各有千秋,应相互学习借鉴,逼真不是绘画的终极目标,绘画艺术的魅力就在于创造各种美,有惟妙惟肖之美,有朦朦胧胧之美,有意境深远之美等等,你说不是吗?
我是“浅浅一笑有酒窝”,欢迎你留言评论,我们共同提高!
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东西文化标不同,油与国画故相充,似与不似之中象,如帘隔幕视非清,西油人物讲恰份,逼真如临有为攻,天人合一东方圣,象实果空落顽冥。
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西方油画在文艺复兴之后融进“透视法”和“素描”光影效果元素,所以空间感很强——也就是人们常说的立体感。而中国画起源于毛笔书写法(书画同源就是由此而说),注重线条和皱点,而明暗的处理往往靠墨色的浓淡和色彩的轻重上,用色也不太讲究冷、暖、明度、纯度……说实话这些洋玩意儿没有多少人去注重它,倒是青绿色在中国画里占据了相当长的时间。说起中国画虚实和空间感,我觉得范宽《溪山行旅》和马远的《踏歌图》处理得相当不错,而名画《宫乐图》在透视处理上确实有硬伤,——透视讲究“近大远小,近宽远窄”,但该画远处的桌面比近处的还宽(见下图),但瑕不掩玉,该画依然神品,此类现象在其它个别名画中也多少存在。
世界画种各有各的传统和成因,从艺术价值和审美角度来看中国画并不弱势于西方油画,相反中国画特别是写意画中的“飞白”、“续断”其神韵和内涵是西方油画无法达到的,泼墨法更是妙不可言!
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