画油画写生的时候总是调不出照片中的颜色怎么办?
画油画写生的时候总是调不出照片中的颜色怎么办?
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我自己也是学习油画专业,后又从事艺术教育,我个人认为油画调色你需要综合衡量,抓重点
第一 如果你是照片写生,那调出来的颜色和照片肯定有差别,照片是经过处理出来的颜色和原物肯定有差别,调色只能是接近,不可能完完全全的一样,你只抓整体画面颜色和谐就可以,如果是想画写实,你只抓物体材质,画出质感就可以
第二 油画调色需要多对比,每一种颜色需要多少都要注意,画错可以用刮刀刮去,在从新上色,但学会总结,到底是因为多色还是少色
总得来说,这个调色都是自己经过长时间的画画总结,经验积累得来的,不会有一个色谱照抄,那样油画也太死了,色彩是多变的,每个人的理解和感受是不同的
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不着急,慢慢调,学习些色彩的理论知识。
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油画和摄影是视觉效果的光影艺术,两者之间在表现构图技法和色彩调配上可相互借鉴,创作出各自形式特点、别具一格的艺术作品。油画和摄影都是以构图和色彩组合而成的艺术作品。色彩是油画和摄影作品的生命,一个没有色彩的油画和摄影作品就象死神一样。色是光之子,光是色之母。
一、画油画写生的时候,总是调不出照片中的颜色,这主要是对色彩的光色和色调特性没有掌握好,而造成了调不出照片的颜色。要调出照片的颜色,必须掌握各种色彩的特性功能。例如人面部的红色意味着愤怒或兴奋,蓝色、绿色的面色表示病态。红色天空预示坏天气,而蓝色预示晴天。油画作品的冷色调为白、蓝、绿;暖色调为红、黄、橙。
二、油画写生创作时,要调出和照片一样的颜色,就要多练习坚持不懈地掌握色彩特性、色彩搭配、色彩渲染等效果,在借鉴摄影照片的色彩进行对比、捉摸、调配,就可以调出个照片一样的颜色。油画的色彩调色的练习,不要急于求成,要循序渐进的理解、参照、临摹的练习,就会调出和照片一样的颜色。
三、在油画作品中同样的色彩在不同画面中,就有不同的视觉效果。大海和远处山岳的蓝色会使人们心醉,然而同样一种蓝色用作室内装修,就似乎是神秘的、气死沉沉的、恐怖的感受。红色充满着温暖的阳光,使人精神兴奋,热血沸腾,红色又可表现战火纷飞战斗的场面。
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你好亲,很开心回答你的问题
画油画写生时,总是调不出照片中的色彩?
个人拙见,恕我直言,首先亲创作的思想就不太对
无论是油画创作,还是油画写生,无论你是面对实物写生,还是以照片为参考素材创作,都不应该照搬自然,包括照搬自然的色彩
对于油画写生,还是油画创作而言,你应该考虑的问题是,这幅画面怎么构图,怎么安排大色调,怎么安排色彩关系,怎么营造画面氛围和意境
而不是强求画面的色彩效果如同你面对的风景,大自然,素材照片上的色彩一模一样,为什么
因为,艺术来源于生活,且高于生活
对于绘画创作而言,比如你创作一幅风景油画,面对一处风景
你需要自己组织画面构图,组织画面色调,大关系,疏密关系,营造画面表现风格,意境
而你面对的风景,仅仅只是你作为创作时参考的素材
对于油画写生,或者创作 ,切忌不能照搬自然,就是说把你看见的景物原封不动地搬到画布上去,不然你是达不到艺术高于生活的境界的
对于亲创作一幅油画,一定要注重画面整体色调的和谐搭配
如果亲以照片为素材创作油画的话, 如果你只是负责原封不动全盘照抄,把照片放大搬到画布上的话,那么这种创作是毫无意义的
有时候一张照片 ,如果不是专业摄影师拍摄的照片,其照片中的色彩不一定和谐,不一定适合油画创作
比如剪影摄影创作,是不适合油画创作的
而且你参考的照片,如果一旦色调不和谐,还需要你主观修改调整画面色彩,所以说,绘画艺术的创作,是画家面对创作素材,主观创作,去粗取精,提炼艺术化处理的过程
对于古代国画家,甚至把大自然斑斓艳丽的色彩营造成黑白灰水墨意境
对于亲而言,你首先要考虑好你的创作意图,如果你想创作意象油画的意境,大自然五彩斑斓的色调,你需要主观营造成清新,淡雅,中国画般诗意的意境
所以,建议亲创作时,改掉照搬照抄照片中色彩的习惯。
回答完毕
我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信
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画油画写生的时候总是调不出照片的颜色
油画和摄影被称之为“姐妹艺术”,它们两者之间在表现技巧和视觉形式上有许多可以相互借鉴之处,所以摄影师把照片拍成油画般的古典美,或者画家把油画描绘的和摄影照片一样光滑透亮,这都是有可能的事情,事实上,也是存在的,超写实主义油画就和摄像照片一样,相似度可以说是99%,
画油画写生的时候,总是调不出照片的颜色,这主要的原因是对各种色彩的特性和视觉感受不太了解,或者说,没有达到“瞬间”就可呈现的记忆程度,了解掌握各种色彩的特性,绝对是一件很复杂又漫长的事情,因为不同的色彩之间相互融合又会产生新的色彩,
要在油画写生创作时,调出和照片一样的颜色,或者说照片那样的效果,没有捷径可走,只能日复一日不停的画,可以先对着照片来练习,
边练习边记忆,
不过,可以从那些没有表情又色调单一的物象开始练习,比如,清澈的水、蓝蓝的天,这样在练习时就显得简单些,不用在意物象的形态动作表情……,
当能把那些色调单一的物象画的和照片一样时,无形之中就增添了自信心,学习就是要
先易后难,先简单后复杂,
如果一开始就练习那些色彩多样的物象,这是会打击自信心的;我们要记住,油画和摄影是有“构图”的,一幅画或一张照片是有很多物象、元素组合起来的,在练习调色时,所以就可一种色彩一种色彩的进行练习,然后再二种或多种混合后的色彩进行练习,总之就是
临摹描绘、增强记忆力。
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在绘画中的颜色是对比协调出来的 不是单独调的
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不必非要调与照片上一致的颜色,因既是写生同时也是创作,如果都与照片一致,那就带上照机照就得了。供参考。
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调色公式:
熟 褐 色 = 柠檬黄 + 纯黑色 + 玫瑰红
粉玫瑰红 = 纯白色 + 玫瑰红
朱红色 = 柠檬黄 + 玫瑰红
暗红色 = 玫瑰红 + 纯黑色
紫红色 = 纯紫色 + 玫瑰红
褚石红 = 玫瑰红 + 柠檬黄 + 纯黑色
粉蓝色 = 纯白色 + 天蓝色
蓝绿色 = 草绿色 + 天蓝色
灰蓝色 = 天蓝色 + 纯黑色
浅灰蓝 = 天蓝色 + 纯黑色 + 纯紫色
粉绿色 = 纯白色 + 草绿色
黄绿色 = 柠檬黄 + 草绿色
墨绿色 = 草绿色 + 纯黑色
粉紫色 = 纯白色 + 纯紫色
咖啡色 = 玫瑰红 + 纯黑色
藤黄色 = 柠檬黄 + 玫瑰红
土黄色 = 柠檬黄 + 纯黑色 + 玫瑰红
不管什么颜色注意 :只能用2-3种颜色调出来,过多的颜色,调出来的非常的不纯。
、真正的调色不能在调色板上,而应在画布上,只有画面才能告诉你需要什么颜色。写生作画,眼睛基本不看调色板,而看画面与对象。即使在调色板上取用几种颜色也是简单地调合,在画面上才是最后的综合。如果在画板上调得过分均匀,色感必单调死板。
此外,画面存在未干的颜色,调色时必须考虑画面颜色成分,如果在调色板上调准了颜色,加上画面已有的底色又会变得不准。
、颜色种类不必太多,十多种即可,它们是:白、柠檬黄、中黄、土黄、金土黄、(或生赭)、桔黄、朱红、西洋红、深红(或紫红)、淡紫红、土红、熟褐、粉绿、土绿(或橄榄绿)、翠绿、湖蓝、群青、黑。19至21种颜色即可。
、调色板上放颜色的顺序,基本可按前面所提颜色顺序排下来,暖色放一边,冷色放一边,而每一种颜色又由浅到深排列,如柠檬黄、中黄、土黄、生赭......这样就有一种素描深浅之概念。假如在画很深颜色的暗部,需要再亮一点暖一点,就可试调生赭,不够再用土黄,再不够可用中黄,以此类推。画暗部千万不可乱用白色,一用白色就不透明了,颜色发粉。
、白、土黄、土红、熟褐、土绿、翠绿、群青、黑,是油画的基本常用色,它们也不易变色。熟褐、深红、翠绿是暗部用色的三个宝。土黄、土红是亮部的基本常用色。柠檬黄是风景作品中高光、逆光、亮部很可贵的颜色,色感较冷。
土绿(或橄榄绿)、中绿,对画树而言,起万能的作用,如树的暗部土绿加熟褐,偏冷可加群青,树的亮部中绿加土黄、柠檬黄,夕阳或秋叶可再加桔黄。
、头像暗部:土红加象牙黑(北欧学派,较透明),土红加翠绿(东欧学派)。如果用朱红加中绿也可产生相当不错的暗部色彩。粉绿、淡紫红是脸部和人体中间过渡面的调合色。 画很白的女人体,白、土黄、土红、粉绿、中绿是基本用色,有时需要朱红。
室内头像高光:白加象牙黑,少量土黄。要学会运用象牙黑。暗部、亮部、中间色调都可用,往往同白色一样重要。颜色粉,往往问题产生在暗部,暗部不透明,画粉了,整个画面就会太粉。
、在同一物体的同一色彩中还会有冷暖的变化,不会绝对均匀,肯定有偏蓝紫或偏黄绿等色,如果对色彩敏感,是可以感觉得到的。
因此在每一局部色块中,都应有所选择,把最美的色彩倾向扩大为整体的色彩。如果每一局部色块都有所取舍和提高,整体的色彩感就比真实的色彩更加完美。要养成会找好看色彩的倾向。
、如果要形成色调,要肯定色调总的倾向,然后在调色上加以处理。例如金黄色的秋天,总倾向是偏黄色的调子,以中黄为基色。就可在暗部、亮部、天、地、树等一切色块中,成分不同地调入中黄。
要大面积色彩调合,小面积色彩对比。可以适当把冷色加暖,暖色变冷,色彩会更加好看,如冷红、暖灰。
、透明覆色
即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来,与上层的颜色形成变化微妙的色调。
例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色,就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果,这往往是调色板上无法调出的色调。
这种画法适于表现物象的质感和厚实感,尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化,令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄,制作过程工细,完成作品的时间长,不易于表达画家即时的艺术创作情感。
、不透明覆色
也称多层次着色法,作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄,中间调子和亮部则层层厚涂,或盖或留,形成色块对比。由于厚薄不一,显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别,画家经常在一幅画作中综合运用。
表现处在暗部或阴影中的物象时,用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感;不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体,增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法,制作作品的时间一般较长,有的画完一层后经长期放置,待色层完全干透后再进行描绘。
、不透明着色
也称为直接着色法、即在画布上作出物象形体轮廓后,凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰,易于表达作画时的生动感受。
19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果,必须讲究笔势的运用即涂法,常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩,适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体;
散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔,笔触比较松散、灵活;厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料,有的形成高达数毫米的色层或色块,使颜料表现出质地的趣味,形象也得到强化。
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油画写生画照片是可以画它的形态及整体色调,明暗,光线等。但你没必要连细节色彩都一摸一样的,毕竟照片色彩与油画色彩是不同的,油画色彩大多数用混合色,互补色,纯色用的很少。
你应该要练习如何能把照片中写生对象之色彩画得更加好看。因为在同一物体的同一色彩中还会有冷暖的变化,不会像照片那样绝对均匀,肯定有偏蓝紫或偏黄绿等色,如果对色彩敏感,是可以感觉得到的。因此在每一局部色块中,都应有所选择,把最美的色彩倾向扩大为整体的色彩。如果每一局部色块都有所取舍和提高,整体的色彩感就比照片中真实的色彩更加完美。要养成会找好看色彩的倾向,并多加练习调色出来。初学油画其实就是素描与色彩结合的!
——林友谅油画作品集
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很高兴回答你的问题。
要观察照片的明度、色相和纯度,从大的方向向小的方向选择颜色。
大部分颜色都是可以调出来的。个别局部颜色调不出来可以暂时放一下,不必管它。随着作画的进程进行,画面逾加丰富,这时你会发现,你苦苦寻觅的颜色不经意间出现了!如果至始至终想要的颜色也没有出现,怎么办?没问题,我的回答:
不管它。
为什么这么说,因为我们想想作画的初衷是什么?是创作。那就不必要求自己画的和照片一模一样,“艺术源于生活而高于生活”。
不必完全照搬照片上的颜色,要加入自己的理解、思想和看法。
这些在画面里是看得出来的。一味要求画面颜色和照片一样是一种不敢大胆创作的表现。其实,照着照片画这种行为在老一辈画家眼里也是不鼓励的,应尽量写生为主。写生的好处太多了。
关于调色的问题。颜色不仅是在调色盘上调的,也可以在画布上调。
这样能调出意想不到的效果,画面更加丰富、立体。
希望我的回答对你有帮助!
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油画颜料与感光颜色区别非常大,随着科技的发展照片与人眼的感觉会达到高度一致,如果是你在画风景取其意就够了。
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