国画作品如何脱去俗气、匠气？
⊿Ⓑ国画作品如何脱去俗气、匠气？
国画作品脱去俗气、匠气
论艺术作品的“俗气、匠气”，这其实是很抽象的概念，何为俗气、匠气？有谁可以解释清楚，怎样的作品带有俗气、匠气，这标准是什么呢？估计连艺术家自己也说不清楚，本身艺术就是很玄幻的东西，简单的说，俗气、匠气就是没有气质的意思，
当我们知道艺术作品的俗气、匠气的含义之后，就知道如何才能脱去国画作品的俗气、匠气了，从而让国画作品更有气质、韵味；任何添加了素描的国画作品都显得俗气、匠气，因为国画注重“写意”，而素描是油画“写实”的基础，那么，将写实的素描强加在写意的国画上，国画还能“写意”吗？对吧，
所以，要让国画作品脱去俗气、匠气，首先就要拋弃素描，国画本就不需要素描的。添加了素描的国画作品，就好比一个女人长了胡子，这好看吗？看起来就很俗、很恶心。所以说，趋向于写实的国画作品都很俗气、匠气，国画中的工笔画也是这样子，画好工笔画难度很大，一不小心就俗气、匠气了，
国画创作需要“笔墨纸砚”，如果对笔墨的运用处理不正确灵活的话，画出来的国画也是俗气、匠气十足。“笔墨”中的“笔”指的是绘画时的笔法，属于技术范畴，要练好笔法，应练习书法，有扎实牢固的书法基础，以书法的笔法画国画，才能显示出国画作品的气势、气质；“墨”指的是墨色颜色，过于浓、过于淡，都会让国画显得俗气、匠气，这是物极必反的道理。墨色还是依靠笔法来掌握，笔法又是依靠画家自身的心境来掌握。
⊕↙国画作品如何脱去俗气、匠气？
谢谢邀请！提问中的“俗气”应该指粗俗不雅之作中的俗气吧？
欲画雅画，先做雅人。
画家的思想，精神，品位，情趣，学养等，会间接反映到画作中。做人品位低劣，俗不可耐，很难有清雅高洁之作。因此，作品要脱去俗气，画家首先要做清雅高洁之人。
有些“俗”不必去。
画家，不是不食人间烟火的神仙，他们大多属于平民百姓，他们的许多作品，是描绘身边的生活图景，民风民俗，花鸟鱼虫，飞禽走兽……只要是反映生活本质，表现真善美的作品，就是俗而不俗，俗中见雅的好作品。
即使大师级的画家，也是如此。例如齐白石先生，黄永玉先生，就有许多大俗大雅，雅俗共赏之作。
关于“匠气”，有句话叫“工匠精神”，一个人能称“匠”，应该是在某个领域达到很高水平了。画家学画要经历从不会，到入门，到熟练，到创作这样一个过程。熟练阶段主要是技艺方面达到比较高的水平，但未脱模仿的框子，还比较刻板，可称为“匠”，要想产生一个飞跃，就要深入生活，汲取创作的源泉，从而创作出反映自然、生活与时代本真的作品，逐步形成自己独特的风格，就脱离匠气，而成为一名优秀的书画艺术家了。
*附几幅醉侠尚未脱俗的拙作：
✒⇦国画作品如何脱去俗气、匠气？
这是个老生常谈的话题，脱俗，去匠，说着容易，做着难。有人为了追求脱俗，去匠，花式用墨，扫地般用笔，美其名曰，超凡脱俗的“杰”作。其实非驴非马。读万卷书，走万里路，看万种景，深山拜师访贤，才能画出有分量的画来。
另外，大俗即大雅，大雅亦大俗。提起俗，莫一概否定。朱仙镇木板年画，看上去很俗，但那是千百年来民间艺术结晶。做到俗而不俗气，是艺术创造。至于匠气，过去有画家画匠之称。匠人，是指做重复性工作的人，机械的做某种动作。这就明白无误的告诉我们：画画不是机械性劳作，不是一成不变的画。
﹟£国画作品如何脱去俗气、匠气？
脱俗，在于自身的生活修养，艺术的追求层面。过于执着形式与技法和刻意所谓的“脱俗”这只会适得其反，脱俗不是一时半刻的事，是要经过长年累月的积累和艺术生活的沉积，“艺术来源于生活高于生活”这也许是我们创作的理念。
ℑ⊰国画作品如何脱去俗气、匠气？
要想国画作品去俗气匠气，我个人认为应三个方面去下功夫：
一是格调要高雅
中国画是讲究格调的，没有格调，自然会落入俗套。什么是中国画的格调呢？不同的画家和欣赏者会有不同的答案。我个人理解，中国画的格调应是作品表现的风格或品格，它是中国文人精神的一种展现和延伸，强调的是文人的诗意情怀，重意趣、清幽、自然，表达了人与自然的和谐共处和天人合人的愿望。格调高雅的作品，为让人为之愉悦、为之动情、为之倾倒，传递出正直的、向上的、积极的、昂扬的大美境界。
二是气韵要生动
荆浩《画山水录》：“气者，心随笔运，取象不惑;韵者，隐迹立形，备仪不俗。”以中国山水画为例来讲，要求“气、韵”并举，当笔、墨成为山水画构成的两种根本的媒介语言之后，“气”与“韵”就分别对应于“笔”“墨”，由此，使山水画的表现技法便更加具体、细致化。古人认为“气韵”难求，有发于墨者，有发于笔者，有发于意者，有发于无意者。说的直白一点，发于墨，提的是在轮廓中点染渲晕；发于笔，干笔皴擦，力透而光自浮；发于意，我欲如是而如是，疏密多寡，浓淡干润，各得其当；发于无意，凝神注想，流盼运腕，不意为是，而忽然如是。如果在画面上，能够处理好这些关系，自然就有了气韵生动之感，也就少了俗气、去了匠气。
三是用色要淡雅
总体上来讲，中国画的用色上忌大红大绿，以淡雅为宜。中国传统画在我们古人称呼为丹青，丹是指朱砂，青是指蓝靛。中国画的用色特点是：表现物体固有色的明度变化，而不计较光的相互影响和变化。这一点明显区别于西方的油画。在谢赫的六论法中，强调用色要随类赋彩，意思是说依客观对象同类赋同色，也指不受客观约束，依画者的主观意识而赋色。用色中是丰富画面，如果用墨用够了，可无需用色，有着墨不够色来凑的说法。用色大体有着六个方法：调：把不同色相的颜色调和在一起。罩：以一种颜色覆盖另一种颜色。托：正面、背面都着颜色，以背面衬托正面颜色。染：先着一笔颜色，再以一枝蘸清水笔接染，使颜色渐次淡出。蘸：一支笔先调一种颜色，再在笔尖处蘸另一种颜色，一笔着纸，同时出现两种颜色。泼：可将调好的颜色，直接泼于画面，或色墨同时泼。用色总的原则是色不碍墨，意思是色只能是补充，处于次要位置，不能因为上色而破坏了墨稿中的墨韵，不然就俗了，匠了，被认为是“行画”，上不了大雅之堂。
以上三点，仅是个人在实践中的一点心得体会，仅供各位画友参考，不妥之处，请批评指正。也欢迎留言探讨交流。如果觉得有些参考价值，欢迎您转发分享。如果个人作品需要推广的话，可联系我们，共同为书画的繁荣做点具体事。
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